The still life, a genre static and enduring by nature, might be the antithesis of a choreographed performance, yet in her recent show in Paris, Cally Spooner proved otherwise. Exhibiting a performance that unfolded across media – on film, in writing, through speakers, illustrated in drawings – Spooner documented the traces left between moments of stillness and vigor and gave new meaning to “still life,” disbanded from a binary of life and death, stillness and vitality. As writer Jazmina Figueroa describes, in this show, Spooner offered still life as a continuous staging that grows almost artificially abundant.

Filmischer Quilt. In ihrer ersten institutionellen Einzelausstellung in Europa, die noch bis Anfang August im Frankfurter Zollamt MMK zu sehen ist, öffnet Ja’Tovia Gary die ikonischen Gärten Claude Monets hin auf essayistische Erkundungen dieses zur Hochzeit des französischen Kolonialismus unter Künstler*innen überaus beliebten Orts. Der filmischen Inszenierung weiblicher Schwarzer Körper kommt dabei eine besondere Rolle zu: In einer multimedialen Collage werden hier die rassistischen Gewalterfahrungen Schwarzer Frauen in der politischen Gegenwart der USA mit Filmaufnahmen Schwarzer feministischer Ikonen wie Josephine Baker und Nina Simone verwoben, wodurch nicht nur koloniale Gewaltgeschichte problematisier-, sondern auch eine Solidarität stiftende, zeit- und kontextübergreifende Gemeinschaft unterschiedlicher Schwarzer Frauen lebbar wird, so die Kunsthistorikerin Julia Heldt.

Enid Blyton eine Rassistin? Seit einigen Jahren schlägt die Debatte um diskriminierende Begriffe in Kinderbüchern in regelmäßigen Abständen hohe Wellen. Während die einen in der Änderung von Kinderbuch-Klassikern wie Pippi Langstrumpf- oder Jim Knopf-Büchern einen Akt der Zensur sehen, stellt sie für andere einen notwendigen Schritt zur Aufklärung über die diskriminierende Funktion von Sprache bei der Reproduktion rassistischer Stereotype dar. Am Beispiel Enid Blytons zeigt Schriftstellerin, Kulturwissenschaftlerin und Journalistin Mithu Sanyal auf, dass die Art und Weise, in der aktuell über Rassismus in der Kinderliteratur gesprochen wird, beweist, dass dieser noch lange nicht überwunden ist.

The archive, the objects and ephemera collected and protected for posterity, is a crucial resource for writing and understanding history, but it rarely offers a complete picture. Recent projects across disciplines and media have taken up the archive and its politics – including Saidiya Hartman’s genre-bending scholarship, Jill Lepore’s investigative podcast, or Andrea Geyer’s visual practice – often with the aim of filling blind spots and biases in the historical record. Edmund de Waal’s literary work belongs to this movement. His latest book, “Letters to Camondo,” is a feat in ekphrasis, masterfully conveying the mechanics of life through an intimate engagement with aesthetics and their provenance. As writer and editor Max Alletzhauser argues here, a catalogue of civilization becomes one of its destruction.

With his latest film, “The Object’s Interlacing” (2020), Kader Attia presents a polyphonic reflection on the potential role of the object in epistemological processes and the politics of restitution. In this conversation, Attia talks with Nina Möntmann about the reflections on the object that are laid out in the film, the concept of repair that Attia has now followed for over two decades in his artistic work, and about that concept’s critical implication of the neoliberal value system. They also discuss the space La Colonie, founded by Attia in 2016 in Paris, which has since been transformed into several mobile and nomadic formats.

Vom Wissen der Künste. Die unterschiedlichen Verbindungen, die die zeitgenössische Kunst seit einigen Jahren mit den Geistes-, Sozial- und Naturwissenschaften eingeht, sowie ihre Einbettung in transdisziplinäre Forschungs- und Bildungszusammenhänge haben ein Gefühl des epistemo-ästhetischen Aufbruchs erzeugt, das mit der zunehmenden Bedeutung von Kunst als Vermittlerin und Katalysatorin von Wissen einhergeht. So lautet die Kernthese des neuen Buches von Autor und Kurator Tom Holert „Knowledge Beside Itself. Contemporary Art’s Epistemic Politics“. Wie die Philosophin und Professorin Kathrin Busch erläutert, öffnen die künstlerischen Arbeiten, mit denen Holert hierbei argumentiert, nicht nur die Kritik hegemonialer Wissensordnungen auf eine Verschiebung epistemischer Machtverhältnisse hin. Vielmehr stellen sie auch die Möglichkeit einer Rückgewinnung des Ästhetischen für die künstlerische Erkenntnispraxis in Aussicht.