Ever since the not-so-heady days of 1990s Relational Aesthetics, museums and other collecting institutions have had to think differently about how they commission or acquire works that depend on audiences; where audiences are, for better or worse, part of the work itself. No one embodies this challenge more than Rirkrit Tiravanija, whose early cooking performances were at pains to turn the elitist space of the gallery into a welcoming event that nourished those attendance with food and not just nice things to look at. Recently, Tiravanija’s work was collected by a major Washington, DC institution, the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden. Art historian and critic Julia Bernard offers her take on the unusual stakes for food in the spaces of high art. Let’s eat!

Anschließend an unsere aktuelle Ausgabe “Literatur" präsentieren wir einen Text zur Geschlechterpolitik im sogenannten Genre der Autofiktion. Nachdem wir uns also mit der Analyse der Autofiktion beschäftigt haben, wenden wir uns nun der Rezeption und Einordnung von Texten zu, die diesem Genre zugeschriebenen werden. Dabei fallen bekannte und erstaunlich alte Muster auf. Die Wissenschaftlerin Isabel Mehl versteht die Autofiktion als eine taktische Aneignung der Autobiografie durch diejenigen, die bisher von diesem Genre ausgeschlossen waren/sich von diesem ausgeschlossen fühlten. Worin liegt das das kritische Potential dieser Texte, die der strategische Einsatz der Ich-Perspektive eint?

In conjunction with the very recent publication of our new issue, “Literatur,” we offer a text on one of the great pioneer’s of the so-called genre of autofiction, Annie Ernaux. While Ernaux's books have been translated and read around the world, very little is understood about the crucial role that photography plays in her writing. Cultural studies scholar Hanna Engelmeier unpacks the shrewd art of translating image to text in Ernaux’s most well-known work, The Years (2008), offering a subtle meditation on the work of memory between these two media.

Im zweiten Teil des Rundgangs durch Wien schreibt die Kunsthistorikerin Patricia Grzonka über die Gruppenausstellung „Hysterical Mining" in der Kunsthalle. Diese ist Teil der Vienna Biennale for Change, die vom Wiener MAK initiiert und mit Partnerinstitutionen aus Kunst, Design und Wirtschaft 2019 zum dritten Mal durchgeführt wid. Im Folgenden erläutert Grzonka, inwiefern die Kuratorinnen in Zusammenarbeit mit den gezeigten Künstler*innen einen relevanten Beitrag zu aktuellen technopolitischen Diskursen liefern.

Wir beginnen heute mit einem Ausstellungsrundgang durch Wien, der in der kommenden Woche mit drei weiteren Artikeln fortgesetzt werden wird. Auftakt bildet Sabeth Buchmanns Besprechung einer Ausstellung des österreichischen Künstlers Heinrich Dunst. In ihrer Kritik erläutert Buchmann die Aktualität von Dunsts konzeptueller Umwandlung des analogen Filmmaterials in sozialkritische, sprachliche Rauminstallationen.

In the context of gentrification and its rapid transfigurations of urban space, where, or how, do we carve out a place for ourselves? The case of New York is exemplary in this regard, with its massive overhauls under the euphemistic moniker of “urban renewal.” With whole neighborhoods, local haunts, and even entire populations either disappearing or being displaced, how do we measure the lasting damage of these changes on the very constitution of oneself, the apparent expendable in the gentrification equation? Curator Josephine Graf considers the work of Win McCarthy with an eye toward these and other effects in the case of Lower Manhattan.

Even the great institutions of modern and contemporary art are not immune from the rush to periodize the recent past, hurried by the ever-increasing development of new technologies and digital platforms. How, then, can one effectively perdioze the very decade in which we still find ourselves, the 2010s? Drawing exclusively from their own collections, MoMA curator Michelle Kuo attempted just such a feat, and Jakob Schillinger here weighs in on the challenges and successes of the resulting exhibition, “New Order: Art and Technology in the Twenty-First Century,” which closed last month in New York. With MoMA slated to open its new expansion in October, the engagement with the recent past will no doubt have a lasting impact on how we see, hear, and understand our relationship to the technologies of the present.