„Der Vorwurf mangelnder Professionalität wird interessanterweise immer dazu benutzt, um Menschen in ihrem Beruf zu verunsichern. […] Wenn man sich aufregt, ist man unprofessionell. Das verhindert aber auch viel. Für mich stehen aber Emotionen, Diskurs und Intellektualität nicht im Widerspruch zueinander“, konstatierte die Regisseurin, Autorin, Performerin und Professorin Tatjana Turanskyj 2010 in einem Interview zu ihrem Film „Eine flexible Frau“. Am 18. September 2021 ist Turanskyj im Alter von nur 55 Jahren gestorben. Ein Nachruf von Saskia Draxler.

During the pandemic, the term “doomscrolling” entered the mainstream lexicon to describe an action that has become familiar to many: endlessly scrolling through tweets, Instagram posts, news sites, absorbing a constant and relentless stream of information, often anxiety-inducing. Time becomes warped in this digital vortex and our psyches imprinted by its affective register. Sara Cwynar mimics this experience in her current exhibition, culling a vast library of images, videos, and citations. Here, writer Blake Oetting likens this formal strategy to a phenomenology of the feed. What appears to be a totally chaotic field of stimulation, Oetting argues, actually approximates the nefarious capacity of tech companies to rationalize the cacophony of everyday life into strategic subjectification, similar to targeted ads and suggested searches.

Das Unheimliche in den technischen Bildern zu fokussieren, ist eine Tradition der französischen Foto- und Bildtheorie. Eine derzeit im Pariser Centre Pompidou zu sehende Ausstellung hat sich genau diesem Topos verpflichtet. In Form von Doppel- und Wiedergängern des technisch (re-)produzierten Bildes widmet sich die Sammlungsschau dem Verhältnis der Fotografie zu sich selbst. Dabei fällt auf, wie die Medienwissenschaftlerin Stefanie Diekmann argumentiert, dass Apparativität, Mechanizität und Multiplikation hier in dezidiert hauntologischer Perspektive betrachtet werden. Auch in den Apparaten können sich die Gespenster festsetzen, auch im Register des kopistischen Bildes entfalten sich Störungen und Irritationen.

Geschichtsrevisionistische, antisemitische und rassistische Ressentiments erfordern eine besondere Auseinandersetzung mit der Vergangenheit und ihren Kontinuitäten innerhalb öffentlicher Institutionen. Für ihre Einzelausstellung „No River to Cross“ im Kunstverein München befasst sich Bea Schlingelhoff mit der nationalsozialistischen Komplizenschaft des Kunstvereins selbst. 1937 fand in dessen vormaligen Galerieräumen ein Teil der von den Nationalsozialist*innen organisierten Ausstellung „Entartete Kunst“ statt. Die Spuren der Diffamierung der damals gezeigten Werke macht Schlingelhoff als Leerstellen im kunsthistorischen Kanon wie im kollektiven Gedächtnis sichtbar und lässt so, wie Juliane Bischoff argumentiert, Raumordnungen und Rechtsnormen als gesellschaftliche Codierungen erfahrbar werden.

Seit den 1980er Jahren arbeitet Albert Oehlen an einem abstrakten Bilder-Zyklus, der einer anspielungsreichen Collage gleicht und die tradierte Unterscheidung zwischen Figuration und Abstraktion obsolet erscheinen lässt. Dabei dominiert niemals nur ein malerisches Element, vielmehr zeugen Farbauftrag, Linienführung und Hell-Dunkel-Kontrastierung von einer eigentümlichen Balance. Diese Analytik zeichnet auch heute noch Oehlens Praxis aus, wie eine bis vor Kurzem in der Berliner Galerie Max Hetzler gezeigte Ausstellung mit 20 neuen Arbeiten des Künstlers beweist. Erdige Farbtöne, die an die Bilder Francis Picabias erinnern, kontrastiert Oehlen hier mit leuchtendem Pink und satten Primärfarben. Dem Maler und Hochschulprofessor Gunter Reski gibt Oehlens Rückgriff auf frühere Phasen seiner abstrakten Bildserie dennoch Rätsel auf.

A great deal of ink has been spilled in pursuit of strategies for decolonizing art and its institutions. What does a decolonized museum look like, and how does it sustain a practice of decolonizing while remaining anchored in a society shaped by a colonial past? These questions accompany Shuvinai Ashoona’s current exhibition in Toronto, which offers an intimate look at the Inuk artist’s nebulous merging of dream-like imaginings with the realities of contemporary life lived in the Circumpolar North, as writer and researcher Sarah Messerschmidt reports. While Ashoona’s exhibition is part of a larger effort to expand the representation of contemporary Indigenous artists at the museum, writes Messerschmidt, the material conditions of many Inuit communities in Canada remain largely unchanged.

Stereotype stereotypisieren. Kara Walker ist vor allem für ihre wandfüllenden Scherenschnitte und raumgreifenden Skulpturen bekannt. Für ihre Ausstellung im Kunstmuseum Basel, die am Sonntag zu Ende gegangen ist und die nun an die Schirn Kunsthalle Frankfurt wandern wird, hat die Künstlerin erstmals ihr persönliches Archiv geöffnet, das mehr als 600 Arbeiten umfasst, darunter auch zahlreiche neuere Werke. Die eigentümliche Dialektik, die Walkers Praxis durchzieht, handelt von den Spuren einer spezifisch westlichen, von Kolonialismus und Sexismus geprägten Kunstgeschichte, von der die Künstlerin sich ebenso beeinflusst sieht, wie sie sich von ihr distanziert. Über den Umweg einer karikaturhaften Fiktionalisierung der US-amerikanischen Geschichte gelingt es ihr, wie Ann Mbuti herausstreicht, die darin eingeschriebenen Widersprüche sichtbar zu machen.

Digital space has changed processes of self-formation: it has expanded the limits of identity and access, but it has also enabled their heightened surveillance and policing. Martine Syms’s most recent exhibition at Bridget Donahue – with videos and sculptural collages that traverse the autobiographical while remaining firmly grounded in an invented world – lands squarely in the middle of the dilemma of the digital, argues art historian Adela Kim. As Kim observes, Syms suggests that while technological mediation beguiles us into believing that it is cordoned away within our screens, it reaches far into our offline lives. Between investigations into presence and absence, identity and technology, the show ultimately produces a ghostly aura of desire and loss that cuts through the chaos of the images.