Dass Helena Hunekes Arbeiten immer wieder um die Herausforderung kreisen, in der Kunstökonomie den eigenen Platz zu finden, konstatierte Isabelle Graw bereits 2002 in ihrer Rezension von Hunekes Ausstellung „Neiß Drap“ im Projektraum Maschenmode der Galerie Guido W. Baudach in Berlin. Der jüngste Einblick in Hunekes Werk, den die Kölner Galerie Drei mit dem familiär verwalteten Nachlass der 2012 verstorbenen Künstlerin ermöglichte, bestätigt deren Hang zu entsprechenden Auseinandersetzungen auf vielfache Weise. Ellen Wagner beleuchtet dies mit Blick auf das wiederkehrende, mitunter recht ramponierte und unrunde Kreismotiv in der Schau, das sich als Verweis auf soziale Zirkel lesen lässt – vermutlich nicht zuletzt auf jenen, in dem Huneke seit den Neunzigerjahren in Hamburg agierte – und betont zudem die Ambivalenz, mit der Hunekes Kunst Betrachter*innen in den Bann zieht, um sie dann gleich wieder ins gefühlte Abseits zu katapultieren.

The haunted house is a staple of horror movies, with the family home often serving as a loaded backdrop to the disturbing events that unfold within it. Beyond the supernatural, the history of horror also brims with films in which the house becomes a trap, leaving those inside at the mercy of some masked killer or other malignant actor. In their latest collaboration, Dennis Cooper and Zac Farley have added a new and similarly gory strand to the horror genre: the “home haunt” movie. Drawing on the annual US tradition of staging amateur haunted house events within private homes around Halloween, Cooper and Farley’s film tells the story of a father whose creative ambitions and desire for patriarchal control have dramatic and deadly consequences. In doing so, as Alex Turgeon argues, the film skewers heteronormative ideas of the family unit by making the house a tertiary character whose presence derails the lives of those living and performing in it.

Nur etwa ein Jahr nachdem er im Kölnischen Kunstverein mit der Ausstellung „Udo is Love“ gewürdigt wurde, deren Untertitel zu einer „Reise in das unfassbare Leben des Udo Kier“ einlud, endete letzteres in seiner kalifornischen Wahlheimat Rancho Mirage nahe Palm Springs. Hier erinnern sich die Kurator*innen der Schau, Hans-Christian Dany und Valérie Knoll, an ihre persönliche Reise mit Kier und lassen Stationen seiner Karriere Revue passieren, die vielen von uns in Form von Filmsequenzen und Bildern lebhaft genug im Gedächtnis geblieben sein dürften, um zu Ausgangspunkten eigener Erinnerungsreisen zu werden.

Mit ihrem für die Performa 2025 produzierten Stück „The Color Scheme“, das sich im Berlin der Weimarer Republik verortet, erkundet Aria Dean Geschichte als zugleich affektive Erzählung und konstruierte Szene der Repräsentation. Johanna Laub beleuchtet in ihrer Rezension die wirkungsvolle Mischung an Technologien und Methoden aus Film, Theater und digitaler Animation, mittels derer die Künstlerin Darstellungsebenen und Zeitlichkeiten ineinander verschachtelt. Als beispielhaft für die Verdichtung, mit der „The Color Scheme“ Deans Auseinandersetzung mit der Ambivalenz von Repräsentation und Identität in Bezug auf historische Narrative fortsetzt, hebt Laub hervor, wie die bewegte, auf digitale Rekonstruktionen und Renderings setzende Kulisse des Stücks dessen historischen Realismus durchkreuzt.

Though the conversion of bells into cannons during wartime can also be read metaphorically, this was a historical reality during many European conflicts of the early 20th century. Yet despite the apparent circularity and the implied inevitability of such material transformations, each piece of metal remains bound to a specific historical event – such as the cannon from 1813–15 whose material was recast a century later for the inscription “Dem Deutschen Volke” on the German Bundestag. Recently, a German–Lithuanian exhibition project revisited the question of art under conditions of militarization, in situ at NATO’s so-called eastern flank. In her review, Xenia Benivolski traces how the moral duality of bells and cannons resonates in the exhibits that seem aesthetically and critically suspended between the lessons of history and the absence of future optimism.

Entgegen der Tendenz, dass künstlerische Praktiken, die ökologische Fragen vor dem Horizont der Klimakrise verhandeln, eine cleane Ästhetik wählen, arbeitet Candice Lin mit organischem Material und heterodoxen Ordnungsprinzipien. Immer wieder greift sie dabei mit dem Anspruch auf Tierdarstellungen zurück, symbolisch zwischen Mensch und Umwelt zu vermitteln – so auch in ihrer aktuellen Einzelausstellung in London. In „g/hosti“ werden die Ausstellungsbesucher*innen von Figuren, Stoffen und Ereignissen heimgesucht, die zumeist aus der westlichen Realität der ökologischen und kapitalistischen planetaren Zerstörung ausgegrenzt werden, so Nils Fock in seiner Rezension.

Als klassisches Veblen-Gut, dessen Nachfrage mit dem Preis steigt, ist Kunst für gewöhnlich gerade dann markterfolgreich, wenn das Angebot stark begrenzt ist – also zum Beispiel nur noch wenige Arbeiten eines künstlerischen Werks zum Verkauf stehen. Seit einiger Zeit gewinnen im Kunstfeld jedoch Akteur*innen an Einfluss, die dem altbekannten Prinzip der Verknappung ein konträr funktionierendes Vermarktungsmodell gegenüberstellen: Ein Paradebeispiel ist KAWS, dessen strategisch aufgefächerte Produktpalette für jeden Fan etwas bietet – und der sich durch ein entsprechend breites Feedback in den Sozialen Medien quasi pyramidensystematisch selbst promoted. Wolfgang Ullrich hat das Phänomen genauer betrachtet – und knüpft mit seinen Überlegungen an unsere aktuelle Ausgabe „System Change“ an, die sich Verschiebungen innerhalb der Kunstökonomie widmet.

Few individuals have influenced the look of the modern world as strongly as the architect Frank Gehry, who died late last year. Although usually associated with the rise of postmodern architecture, Gehry’s work resists easy categorization, often combining explicitly postmodern elements with more typically modernist concerns regarding a building’s intended purpose or use of materials. And while his aesthetic influence was decisive, Gehry’s idealistic but pragmatic approach to architecture and urban design also helped shape ideas about the role that buildings and architects play within wider society. Sylvia Lavin looks back on Gehry’s life and emphasizes the importance of his legacy.