Das Kurator*innenkollektiv ruangrupa kam mit dem Anspruch nach Kassel, die internationale Großveranstaltung in einem offenen Gemeinschaftsprozess zu gestalten. Sowohl diese Zielsetzung als auch viele der gezeigten künstlerischen Arbeiten verstanden sich als Beitrag zu politischen Diskursen. Doch die seit Jahresbeginn brodelnde und in den Eröffnungstagen schließlich entfesselten Diskussionen um Antisemitismus, Postkolonialismus und Kunstfreiheit auf der „documenta fifteen“ hielt die Institution auf Distanz, so Carsten Probst. In seiner Analyse der medialen Rezeption vollzieht der Journalist nach, welche Folgen die sowohl durch die Medienöffentlichkeit als auch durch die Ausstellungsmacher*innen aufrechterhaltene Trennung von der seit 2019 geführten deutschen Debatte und der tatsächlichen Schau mit ihren kuratorischen und künstlerischen Positionen hatte.

The Canadian collective General Idea was known for their exploration of mass culture and the art market, as well as their trio form that, at least throughout their existence, was never tied to a singular authorial identity. They often employed magazines, exhibition stands, paintings, postcards, posters, or wallpaper to address consumer culture and a society transfixed by media spectacle. By embracing the group’s historical contingency, a recent exhibition at the National Gallery of Canada carefully maps the shifting strategies, concerns, and artistic media entailed in a communal artistic practice that spanned 25 years. Being the most comprehensive retrospective to date, the show displays General Idea’s negotiation of collectivity as well as collaboration and thus emphasizes, as the art historian Tom McDonough demonstrates, their deployment of collective intelligence or, so to say, a general intellect.

Um 1900 wandelt sich die menschliche Figur in der europäischen Kunst. Plötzlich nehmen Körper vermehrt ausdrucklose, frontale Haltungen ein. Die Kunsthistorikerin Emmelyn Butterfield-Rosen ergründet diese Entwicklung in ihrem Buch Modern Art and the Remaking of Human Disposition und führt die neuen Posen auf ein grundlegend verändertes Menschenbild zurück. Ihre Thesen zu dieser historischen Transformation entwickelt sie unter anderem in Bezug auf drei Werke, die um die Jahrhundertwende entstanden. Wie die Kunsthistorikerin Beate Söntgen in ihrer Rezension argumentiert, ist Butterfield-Rosens Studie insbesondere durch ihren umfassenden theoretischen Rahmen für die Gegenwart des kunstgeschichlichen Feldes und darüber hinaus relevant.

Intentional positioning as orientation plays an integral role in Nora Schultz’s and Mirjam Thomann’s site-specific art practice. Their joint exhibition “3 Months Later” at Klosterruine Berlin manifested the artists’ sensitivity to the material, architectural, and cultural characteristics of time and space. Through their sculptural installations, Schultz and Thomann responded in a mimetic yet complementary way to the porousness and historicity of the medieval monastery ruins in the center of Berlin and established a relationship with that space by situating their works within its edges and openings. Writer and curator Camila McHugh reviews the exhibition with particular focus on the spatiotemporal experiences that it offered.

Often located in secluded places far from the hustle and bustle of the digitalized present, a growing number of residency programs promise artists the opportunity to work in special and idyllic conditions. But by no means does everything always go according to plan – and fortunately so, finds Irmeli Kokko. As the residency expert argues, the value of such programs lies not least in their intrinsic incalculability. Based in large part on conversations and experiences with a travel-savvy artist duo, Kokko’s contribution to our column keeps with our current theme of “Resortization” and loosely ties in with the experiences reported by artist Ei Arakawa that appeared in our latest print issue.

An Strahlkraft kaum zu übertreffende Himmelskörper erhellen viele der naturwüchsigen Szenerien von Shara Hughes. So öffnet sich in der Radierung „Night Opening“, die Hughes Anfang 2022 als Edition für „Texte zur Kunst“ geschaffen hat, bei gleißendem Mondschein ein Blütenkelch. Schon seit einigen Jahren hat sich die Künstlerin der Landschaftsmalerei verpflichtet. Die von ihr dargestellte Natur reflektiert jedoch keine lokalisierbaren Topografien, sondern entwachsen ihrem Inneren. Im Atelier tritt die Malerin weißen Leinwänden entgegen und verbildlicht ihre Emotionen. Ihr Spiel mit den Klischees sowohl des klassischen Genres als auch des künstlerischen „Schöpfungsakts“ bleibt dabei immer spannungsvoll, so die Kunsthistorikerin Ramona Heinlein. Hughes’ menschenleere Welten eröffnen Betrachter*innen eine körperliche Erfahrung, in ihrer Schönheit können sie sich lustvoll und doch stets von einer leisen, lauernden Gefahr begleitet hineinfühlen.

The old assumption that dreams, once expertly decoded, refer to a deeper truth is hardly tenable without taking into account the complex, unstable hermeneutics on which every oneirological derivation is based. The notorious fragility that characterizes all attempts at interpretation is something that the realm of dreams shares with the enigmatic painterly worlds of Peppi Bottrop, which evoke psychosocial topographies and yet resist clear reading. Here, the art historian and curator Paolo Baggi reviews the painter’s most recent solo exhibition in Düsseldorf, reflecting on an experience that, despite all references, clues, and allusions, was characterized above all by a constant, productive uncertainty.

Continuing the theme of our current issue, “Resortization,” the latest contribution to this biweekly column takes us to a place that is nowhere and everywhere, near and yet far, residing in distant server farms but permeating all our lives – all while being operated by a relatively small number of opaque platforms. Call it the infosphere, realm of data, cloud-cuckoo-land, or a place of no escape. We are all citizens of this curious domain, which seems ethereal but is, above all, controlled by hard commercial interests. The point of departure for our author, the artist Simon Denny, is an artwork from which he follows clues and connections to arrive at a business that borrows its name from fantasy yet co-determines our current reality to a quite an unpleasant extent.